Memoria y testimonio: Krzysztof Wodiczko

"Provoca un diálogo que renueva y actualiza su función originaria. De este modo enriquece, transforma y manipula el mensaje inicial de esta arquitectura, con la intención de impactar, denunciar y producir un revulsivo en la opinión pública".

El trabajo artístico del polaco Krzysztof Wodiczko (1943) se basa en un discurso sociopolítico donde a través de un espacio público de determinada ciudad pone de manifiesto alguna idelología o situción política con el fin de generar conciencia sobre los acontecimientos y contradicciones de nuestro entorno. Para Wodiczko el poder se apropia de la ciudad y es por tal este saboteo artístico que hace con la arquitectura a partir de las imágenes que proyecta.

Crea consciencia y pone de manifiesto lo venenoso de los discursos oficiales, lo que esconde la aparatosa arquitectura y de este modo transforma a la masa en un conjunto de ciudadanos críticos capaces de plantear discursos alternativos.

En “Hiroshima Projection" (1999) proyectó sobre la fachada del edificio memorial de Hiroshima las manos de un sobreviviente al bombardeo. Wodiczko pretende reactivar la memoria en torno al aconteciento que generó muerte y destrucción a causa de la guerra donde a partir de una conjunción entre sociedad, espacio público y política crea conciencia de los hechos ocurridos en el pasado para reflexionar sobre nuestro presente mismo.

La naturaleza de Ana Mendieta

"Me he lanzado dentro de los elementos mismos que me produjeron, usando la tierra como mi lienzo y mi alma como mis herramientas".

Ana Mendieta (1948-1985) fue una artista cubana que se caracterizó por un trabajo artístico lleno de profundidad espiritual. Retoma las energías primigenias que constituyen al ser, esto es la naturaleza misma, entendiendo sus ciclos, sincrinizándose con el ritmo del universo y de la vida misma. En su obra refleja la esencia de lo femenino, aquello que pertenece al mundo de los instintos y emociones, al misterio y seducción, a aquello que deja huella donde quiera que vaya, porque es tierra fértil, refugio y consuelo.

"Mi arte es la forma en que restablezco los lazos que me unen al universo. Es un regreso a la fuente materna. Me convierto en una extensión de la naturaleza y la naturaleza en una extensión de mi propio cuerpo. Este acto obsesivo de reafirmar mis lazos con la tierra es en realidad una reactivación de creencias primigenias, una fuerza femenina omnipresente, la imagen posterior de estar encerrada en el útero, es una manifestación de mi sed de ser"

A los 12 años de edad fue enviada a los Estados Unidos debido a la "Operación Peter Pan", denominación que fué dada por los opositores (mayoritariamente personalidades importantes de la iglesida cubana) y que antes fueron simpatizantes del gobierno de Castro, despues de que Este calificara su gobierno de comunista absoluto y proclamara su revolición socialista decidieron enviar a USA muchos de los niños con edades comprendidas entre los 6 y 16 años, decidiendo que estas declaraciones pondrian en peligro sus creencias políticas y religiosas.

En su obra siempre está presente esa búsqueda constante a su centro, a su origen a su eterno retorno. Utiliza una diversidad de símbolos que remiten a prácticas mágicas que nos recuerda el coexistir entre el hombre y la naturaleza misma. Imágenes mitológicas que representan las profundidades de la vida psíquica inconsciente del ser humano que moldean la forma en que la consciencia humana puede experimentar el mundo y autopercibirse. El hombre tiene la necesidad de crear y validar códigos, esto es un conjunto de símbolos que determina una forma de reglamentación ya sea el lenguaje, la escritura o la religión.

En sus obras se abstrae la realidad ejerciendo un estado de conciencia donde el hombre ha encontrado su vínculo con la naturaleza simbolizando y mitificando lo que lo rodea, recordando que lo sagrado fluye en la energía vital de todo lo vivo que confluye con nosotros.

Su obra está constituida por símbolos tradicionales de distintos cultos religiosos del mundo. Ana en su obra pretende hablarle al inconsciente del espectador por medio de los símbolos con el fin de generarle una experiencia mística, un estado donde se ha dejado de racionalizar todo y comenzado a percibir la esencia del fluir de la naturaleza.

Las "siluetas" son el testimonio de una liturgia místico-artística, que en ocasiones alude directamente --en los títulos, en el empleo de ciertas técnicas o en algunos detalles-- a ritos afrocubanos.

Joseph Beuys y sus técnicas chamánicas (2das vanguardias)

"Es la obra de arte total de la que hablaba Wagner. Una obra de arte que englobe a todos los sentidos, y a través de ellos transformar la conciencia del hombre. Usar el poder mágico de la palabra y de la imagen como herramienta de la transformación de la sociedad".

Joseph Beuys derivó del movimiento Fluxus (fluir), movimiento artístico iniciado a finales de los años 50 en Estados Unidos y Europa. El pilar central del movimiento era ir en contra de todo lo que en ese momento estaba institucionalizado como arte, caracterizándose de multidisciplinario y lúdico.

"Fluxus se define a partir de lo que no pretende. Como acontecimiento que surge de manera espontánea, se atiene al instante del ser y acepta su propio carácter efímero. Sus acciones y performances rechazan la repetición. La distancia temporal hacia los acontecimientos es casi insuperable. Y así, en sentido estricto, Fluxus sólo puede ser difundido a partir de una contradicción constitutiva, es decir, como documentación, mediante fotografías, apuntes, objetos-reliquia, múltiples y publicaciones".

Fluxus escapa de toda tentativa de definición o de categorización. Según Filiou, es "antes que todo un estado del espíritu, un modo de vida impregnado de una soberbia libertad de pensar, de expresar y de elegir. Fluxus es un fluir continuo ante la vida, un experimentar sin formas, sin ataduras, resignifica al arte y lo lleva a la cotidianidad, lo acerca a la vida, a lo espontáneo, a lo natural, y es ahí donde radica lo mágico y lo transmutable. El arte de Beuys contiene esa esencia, pues a tráves de su lenguaje mágico-simbólico nos hace reflexionar en torno a las creencias chámanicas como prácticas de sabiduría ancestral que tienen como fin primordial Curar, Sanar el alma, reconcectándola con las energías naturales y las fuerzas básicas de la vida: agua, tierra, aire y fuego donde a tráves del rito la sabiduría se manifiesta.

"En su juventud, Beuys perteneció a las juventudes hitlerianas, y en la segunda guerra mundial pilotaba aviones caza de la Lufwaffe. En una batalla su avión fue abatido y cayó al suelo en el estado de Crimea, en Rusia. El copiloto murió y Beuys estaba gravemente herido. Es recogido por una tribu nómada tártara y llevada a su campamento. Allí le cubren el cuerpo con grasa y lo envuelven en fieltro. De forma que le salva la vida gracias al calor de la grasa y el fieltro".

Esta experiencia lo va a transformar en su manera de concebir la vida y la naturaleza, así como su forma de expresarse, pues a lo largo de su carrera artística va a utilizar elementos simbólicos así como la imitación de rituales propios del chamanismo.

Un claro ejemplo es el performance I like America and America likes me (1974) en donde convivió con un coyote envuelto en un cobertor de fieltro en una galería de Nueva York. Beuys nos demuestra su capacidad discursiva tan poética y de significados tan profundos como el de llevarlo a un proceso de tranfiguración en el individuo y por ende de la sociedad a través de la resignificación de símbolos totémicos que consiste en identifcarse con el todo, con la naturaleza misma.

"La obra de Beuys tiene connotaciones religiosas, políticas, mágicas, y une todos estos factores en su concepto ampliado de arte, y que él considera que es la única forma posible de revolución. Una revolución basada en la educación, o sea en un cambio de conciencia del individuo que permita una democracia directa"

Fuentes:

http://www.mac.uchile.cl/exposiciones/fluxus/textos.html
http://ebartworks.blogspot.com/2006/04/joseph-beuys_02.html

Martha Rosler Vs estereotipos femeninos

La propia artista sentada en un sillón leyendo la revista Vogue y la cámara desde atrás registra qué es lo que está leyendo. Se trata de imágenes de modelos femeninas que página tras página muestran diferentes ropas, siempre en actitudes muy seductoras. Leer revistas de moda o actualidad es un acto muy cotidiano que la artista recupera en este caso para llamarnos la atención acerca de los modelos femeninos que proponen. Todas las páginas son muy parecidas y presentan un ideal de mujer seductora, atractiva y preocupada por la apariencia física.

Martha Rosler lee Vogue (fotograma del video), 1982

Considero importante hacer una reflexión de cómo es gestada la imagen de la mujer en la sociedad actual, me parece denigrante cómo se ha ido clasificando y estereotipando, fomentando un desequilibrio social entre hombres y mujeres. Los dos son necesarios en la vida ni uno ni otro son más o menos. El papel de la mujer en la sociedad es fundamental, para empezar ella es la portadora de vida. Simbolizada y mitificada desde la antigüedad sólo basta con ver- para recordar la grandeza y magnificencia de la feminidad- a las Venus del Milo o a toda la clase de diosas tanto de culturas occidentales como orientales donde la mujer es considerada sagrada. Y su papel en la sociedad actual está tan corrompido y denigrado pues es usado como objeto sexual, como objeto desechable y sobre todo como objeto consumista. Es importante crear consciencia para rescatar y revalorizar la feminidad no cayendo en superficialidades banales que sólo llevan a un retroceso humano pues nos aleja cada vez más de un sociedad equilibrada.

Este vídeo fue grabado en 1982 pero la situación que representa se repite todavía hoy. Mirad la televisión y veréis que la mayoría de presentadoras y azafatas responden a los mismos patrones, igual que los maniquís de los escaparates de ropa y las modelos de publicidad y moda. Una verdadera discriminación hacia la diferencia corporal está teniendo lugar en los medios de comunicación y se transmite a la sociedad a través de la repetición continua de unas figuras estereotipadas.

Se ha ido perdiendo el respeto por el cuerpo mismo, por la naturaleza misma sólo por seguir pautas y modas que generan enfermedades colectivas de tipo nerviosas y patológicas con el fin de esclavizarnos, de consumirnos en el consumismo.

fuente:

http://www.transversalia.net/index.php?option=com_content&task=view&id=21&Itemid=48

Surrealismo (primeras vanguardias)

El surrealismo fue un movimiento artístico que se gestó en el período de entreguerras. Su propósito radicaba en la liberación de la mente así como de las limitaciones o reglas estrictas, establecidas entre los hombres, que la subyugan, como la religión, la moral, la nación. Se inició en París en 1924 con la publicación del Primer Manifiesto, escrito por el poeta André Breton, no obstante tres años antes estaba gestándose con los dadaístas parisinos los que más tarde se agregarían a los surrealistas.
El período de entreguerras, es el período comprendido entre el final de la Primera Guerra Mundial y el inicio de la Segunda Guerra Mundial. Fueron dos décadas marcadas por el cambio radical de la relación entre las fuerzas internacionales, la consolidación de regímenes autoritarios, los avances técnicos y por el marcado contraste entre un enorme desarrollo del capitalismo (años 1920) y su mayor crisis (años 1930).[1]Fue una época llena de violencia y represión así como de grandes injusticias sociales, se vivían grandes tensiones que se bifurcaron en la Primera Guerra Mundial. El desasosiego que originó este suceso será el tema primordial de los pintores expresionistas cuya obra llegará hasta finales del primer tercio del s. XX. Entre los autores más destacados se encuentran: Kandinsky , Munich, Kokoschka y Picasso, pintor del Guernica, obra que refleja las angustias del hombre durante la guerra. Los artistas que coincidieron en París a principios de la década de 1920 compartían un profundo desprecio por la sociedad burguesa y materialista, pues no sólo fueron los responsables de la Primera guerra mundial sino que también eran frívolos a su autocomplaciente vida, y su total apoyo a la supremacía de los logros técnicos y científicos, esto sucumbió a una declinación a la que sólo se podía hacer frente a un antiarte revolucionario y nuevo.

En 1924 Breton publica el manifiesto surrealista, lo define: Sustantivo, masculino. Automatismo psíquico puro, por cuyo medio se intenta expresar, verbalmente, por escrito o de cualquier otro modo, el funcionamiento real del pensamiento. Es un dictado del pensamiento, sin la intervención reguladora de la razón, ajeno a toda preocupación estética o moral.

Esta premisa analítica, la que ocurrentemente lleva a la asociación libre, es de lo que se construye el material de análisis en el encuadre analítico, el psicoanálisis. Depende de qué tanto se preste el analizante a tratar con el lenguaje del inconsciente para que este mismo se manifieste.

El manifiesto surrealista postulaba que el inconsciente era una forma más válida de percibir la realidad que el pensamiento y la sensibilidad, regidos por la razón, a la cual oponía la realidad del sueño y las visiones de la locura. Se basaba principalmente en el psicoanálisis de Freud, también en los escritos de Rimbaud, el conde de Lautréamont y Apollinaire, de cuya obra deriva el nombre del movimiento, acuñó el concepto de Surrealismo en 1917en el programa de ballet de Eric Satie Parade; posteriormente definió como drama surrealista su pieza teatral Les mamelles de Tiresias (Las tetas de Tiresias). El objetivo del surrealismo era poner en evidencia los inconsciente y lo quimérico rechazando la conciencia y la razón.

El surrealismo originalmente surge como movimiento literario y su primera manifestación fue la “Ecriture automatique” (Escritura automática), Bretón proponía conseguir un monólogo que fluyese con la máxima rapidez, no sometido al juicio crítico del sujeto y no presentara ningún tipo de reserva que fuera más bien un pensamiento hablado. Cuando el movimiento se extiende a las artes plásticas es necesario desarrollar nuevas técnicas como “frottage” dirigido a lograr nuevos efectos plásticos mediante el restregado de estructuras materiales, el “grattage” fue otra técnica que consistía en raspar la superficie de la base.